A 50 AÑOS, REVOLVER AÚN INNOVA

Por MAT.

Increiblemente, están por cumplirse 50 años de REVOLVER. Para los menos entendidos, es el el séptimo álbum de la carrera discográfica de los Beatles [en la colección “original”, que es la británica, de donde es originaria esta banda.

Sería el resultad de varias piezas que harían que la banda sonara como nunca y que les hiciera –a partir de aquí- ir en búsqueda de mas y mas experimentos sonoros, mas con el apoyo creativo del ingeniero de grabación Geoff Emerick, y con el apechugamiento del productor George Martin.

Este álbum fue realizado en una época de transición cultural y tecnológica muy profunda; quizá la mas acelerada de la historia del siglo XX. Y es sin duda donde relucen muchos elementos que hasta nuestros días están vigentes: guitarras distorcionadas, loops, sonidos montados al revés, drum & bass. Los Beatles siempre se distinguieron por poner una variedad de géneros en sus álbumes, y con este Revolver, a parte d variedad, encontramos innovación. Mucha versatilidad, por lo que es difícil creer que sea sólo producción de una sola banda.

En este espacio, te invito a que me acompañes a recorrer este álbum en un pequeño viaje de letras ¿me acompañas?

revolver

“Taxman” es la canción con la que abre este álbum. Hard rock de la autoría de George Harrison, con un poco de ayuda de John Lennon. Es sin duda para aquel 1966 una de las canciones más escandalosas jamás creada con una letra de denuncia sobre los altos rangos de cobro de impuestos en el Reino Unido. ). Los “Mr. Wilson” y “Mr. Heat” de la letra se referían a Harold Wilson y a Edward Heath, que eran el primer ministro británico laborista y el líder conservador de la oposición, respectivamente, en aquella época. Cabe mencionar que para su versión a esta pieza en su gira del 91, Harrison también añade a “Mr. Bush”.

La arte del fraseo de “Taxman” parodia a “Batman” de Neal Hefti. En aquel 1966 la serie del hombre murciélago protagonizada por Adam West era un hito que empezaba la “Batimanía”. Uno de los nombres contemplados para este álbum antes del definitivo era FATMAN Y BOBBYN.

El sólo de guitarra, áspero, sucio, agresivo, pertenece a Paul McCartney. La canción –y eventualmente el álbum- abre con un conteo doble y una manipulación de cinta, lo que le da un toque diferente para arrancar; simplemente es algo no esperado.

“Eleanor Rigby” es una canción de McCartney sin los otros Beatles, Aún en la composición poco tuvo que ver John Lennon, y trae algunas frases sugeridas por Ringo Starr. “Eleanor Rigby” enmarcó la imaginación lírica de McCartney en un intenso arreglo de cuerdas grabado por George Martin bajo la dirección del propio McCartney. Según Martin, su arreglo instrumental se lo había inspirado la partitura que Bernard Herrmann había hecho para la película FAHRENHEIT 451, de Francois Truffaut. Ringo confirmó que contribuyó con la línea sobre “Father McKenzie, writing the words of a sermon that no one will hear”. Originalmente, la frase mencionaba a ‘Father McCartney’, sin embargo esta referencia fue eliminada porque podría conducir a los oyentes a pensar que se hablaba sobre el padre de Paul. La instrumentación se basa en el arreglo de cuerdas, las cuales fueron grabadas con los micrófonos los acercado lo mas posible; algo que en su momento desagradó a los ejecutantes, pero que a partir de aquí se convertiría en una práctica común, como técnica de grabación de instrumentos de cuerda. La canción cuenta la historia de una mujer pobre que recogía el arroz que se aventaba en las bodas de la iglesia para poder sobrevivir; mas adelante muere y el padre McKenzie es el único presente al funeral al ser el que tenía que oficiar el cortejo fúnebre. Los Beatles inaguraban con esta pieza el periodo neobarroco y su influencia en bandas de música gótica se puede escuchar hasta nuestros días.

En “I’m Only Sleeping”, John Lennon y George Harrison tocaron las notas para la guitarra principal [y para la segunda guitarra en el solo de la canción] en orden inverso, después revirtieron la cinta y la mezclaron de esta manera en la canción. El sonido de la guitarra invertida le daba un tono somnoliento, siniestro y melancólico a la canción. Esto, junto con la letra al revés usada al final de la canción “Rain”” -grabada por los Beatles en las sesiones del álbum, y lanzada por separado como cara B del sencillo “Paperback Writer”- fue el primer caso de mensaje a la inversa, el cual Lennon descubrió después de estar cargando erróneamente una cinta de carrete a carrete hacia la inversa mientras estaba bajo los efectos del cansancio y la marihuana. Otra parte que llama la atención de este corte es la pausa de las estrofas. Con McCartney marcando la pausa con el bajo y las guitarras respondiendo con algo mas parecido a una cascada. La voz de Lennon suena cansadamente compungida y el elevamiento de McCartney sobre la voz de Lennon al responder los coros hace que aquella discordancia sea totalmente coherente sonoramente hablando. El final con las aceleradas guitarras al revés, hacen una fusión de un sonido poco explicable y tenso que se funde perfectamente con la siguiente canción…

Un rasgueo de cuerdas… otro mas… ¡espera! ¿Qué es eso? ¡eso no es una guitarra! ¡suena místico! Y para antes que asimiles que es, se suelta una enorme sección rítmica con un folclor que no es británico…

“Love You To” marcó una significativa profundización en el creciente interés que George Harrison mostraba en la música india y en el sitar, y que había empezado con “Norwegian Wood [This Bird Has Flown]” en el álbum anterior. Acá se inagura el raga rock, del cual los americanos Byrds se encargarían de difundir en los Estados Unidos. Este raga crece y se acelera al perderse en un fade out.

“Para llevar una vida mejor/ Necesito que mi amor este aquí” Son las tiernas palabras con las que Paul McCartney comienza la romántica “Here, There and Everywhere”. La canción en efecto es una delicada, delirante y dependiente oda de pareja. Las armonías vocales manejadas aquí con gran destreza –uno de las principales características en la música beatle- y el delicado arreglo rondírico, hacen de esta una de las mejores baladas grabadas por estos músicos y muy difrutable desde el rasgueo que da ante pie a la voz doblada de Paul, hasta la guitarra y el estrllar de los platillos con la que la misma termina.

La pista más ligera de este álbum fue la infantil “Yellow Submarine”. McCartney aseguró que compuso “Yellow Submarine” como una canción para que la cantara Ringo. Sin aparecer en los créditos, el cantante y compositor escocés Donovan ayudó con las voces y la escritura de la canción, pues se había convertido en amigo íntimo del grupo. También se puede oír a Brian Jones, de los Rolling Stones, haciendo tintinear unos cristales en el fondo. Mal Evans, también participó en la canción. En los coros est´n Mick Jagger, Keith Richards, Pattie Harrison, Marianne Faithfull además de los cuatro Beatles. Hay una parte de la canción, después del puente musical que John contesta las frases de ringo. Esto fue en el estudio como algo espontáneo que al final los cuatro Beatles estuvieron de acuerdo de inluir.Para ellos el ingeniero Geoff Emerick utilizó una alta distorsión en la oz de Lennon. Los Beatles, con la ayuda del equipo de producción, añadieron a la canción efectos de sonido pregrabados que encontraron en la biblioteca de cintas de la librería de audio de EMI. George Martin mandó a recopilar para producir las grabaciones de las comedias radiofónicas de The Goons. Así, se re utilizaron ocupando otros sonidos..

La canción fue compuesta por Paul McCartney y John Lennon. Cuando éste la había terminado de componer, se la ofreció a Ringo Starr, ya que fue pensada para él. La canción, editada en un sencillo de doble cara A junto a “Eleanor Rigby”, fue el único número 1 en el Record Retailer del Reino Unido de una canción de los Beatles cantada por Ringo Starr. En el Billboad Hot 100 de Estados Unidos llegó hasta el segundo puesto en 1966. “Yellow Submarine” salió como sencillo doble cara junto con “Eleanor Rigby”.

“TODOS VIVIMOS EN UN SUBMARINO AMARILLO”

La última canción que grabaran los Beatles para este ´lbum, sería también la que ne su versión original –en LP- cierra el lado uno.

Lennon afirmó que algunas de las letras alucinógenas de “She Said, She Said” se tomaron casi literalmente -aunque con cambios menores- de un intercambio que tuvo con el actor Peter Fonda. Lennon, Harrison y Starr estaban bajo la influencia del LSD en la casa alquilada por los Beatles en Benedict Canyon en Beverly Hills, California, en agosto de 1965. Fonda pasó por allí para ver a unos amigos suyos, miembros de los Byrds, y para conocer a los Beatles. Fonda le dijo a Harrison, “I know what it’s like to be dead” [“Sé cómo es estar muerto”], porque de niño casi había muerto por la herida de un disparo que se hizo él mismo. Lennon le contestó: “Who put all that shit in your head?” [“¿Quién puso toda esa porquería en tu cabeza?]”. Esto, con cambios secundarios, formó parte del coro de la canción. La instrumentación suena más a una canción grabada en los años noventa que a lso sesenta. El sonido de la tarola de Ringo suena muy distintiva para la época. Casi no se percibe el sutil uso de loops.

“Good Day Sunshine”, una alegre burla de The Lovin’ Spoonful, que fue rápidamente versionada en sencillo por The Tremeloes; fue la elegida de abrir el lado dos. La introducción alegre al unísono con el bajo y rota con el corte de platillos que marca el sincopado cambio de ritmo. Es de las composiciones mas sofisticadas de McCartney.

“And Your Bird Can Sing” es una cándida reflexión sobre el materialismo y las posesiones preciadas comparables con el amor de pareja. La estructura a dos guitarras tomarían mas de veinte años para que un intérprete desarrollara esa misma parte solo con una guitarra. Otra mas que podría ser un grounge noventero, aunque también pasa como alternativo, también noventero. El efecto al bajo que Paul hace al final es simplemente sublime.

McCartney también contribuyó con “For No One” [escrita para su novia Jane Asher], una canción melancólica que incluía un solo de trompa interpretada por el prestigioso músico Alan Civil; Paul quería arrancarle su mayor nota a Civil. Después de un intento –en el cuál el ´músico quedó exhausto- Paul le pide un nuevo intento, Civil casi se le va encima, George Martin mediante, el primer intento es lo que ha quedado registrado.

“Doctor Robert” podría estar basada en una combinación de varias personas, en un principio en el dentista de los Beatles [el que primero les proporcionó LSD], pero también en el tratante de arte londinense Robert Fraser, un amigo íntimo del grupo que ocasionalmente les conseguía drogas, y que más tarde llevó a cabo la producción artística de la portada del álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

La canción en si narra un viaje con LSD y la persuasión del dealer para el consumo de drogas. Es esta otr canción que trae un sútil loop en el arreglo.

REVOLVER es la primera ocasión donde George Harrion contribuye con tres canciones. Harrison compuso “I Want to Tell You”, sobre su dificultad para expresarse a través de las palabras. Y aunque la letra pudiera ser muy existencial, la música es innovadora en cuanto su estructura, con la batería sonando arriba, con un ritmo sincopado sugerente, con un riff de guitarra sonando a estructura de la India, con un juego de percusión muy novedoso y pegajoso al unísono del piano –otro tipo de percusión-.

Este álbum fue un parte aguas en cuanto composición, no solo por las estructuras, también en cunato a la temática abordada en las letras. Sin bien empezó en el álbum anterior, RUBBER SOUL, para este REVOLVER el dominio en el manejo de imágenes y escenas y finalmente la estructura sobre como contar historias completas en bloques de menos de tres minutos les da a los Beatles el crédito de los ocmpositores mas prolíficos de su momento.McCartney había dicho que “Got To Get You into My Life”, que durante mucho tiempo se ha supuesto una canción de amor, era de hecho una oda “al acto de fumar marihuana. Para alguien que a los 74 años sigue siendo una sana práctica, aún puede ser un emblemático homenaje a tanto consumo verde. La instrumentación con todo y ese espectacular arreglo de metales, es indudablemente un homenaje al sonido stax. Una muy soulera canción que pone de manifiesto la calidad vocal de McCartney y también su influencial estilo al bajo, que desaparece con los metales para dar espacio a una campana que abria una de la más emblemáticas canciones de la corriente psicodélica.

Tocada en su base solo en Do, “Tomorrow Never Knows también fue pionero en técnicas innovadoras tales como la guitarra inversa, los efectos procesados, la grabación vocal y el serpenteado de cinta. Musicalmente, se basó casi exclusivamente en un solo acorde, y la letra fue inspirada por el libro de Timothy Leary The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, aunque el título también pudo provenir de un juego de palabras de Ringo.

El fuerte efecto de la voz de John fue conseguido después de que este expresara que quería sonar como si estuviera en lo alto de una montaña.

Después de una pesada atmósfera que poco a poco se va desvaneciendo para dar entrada a un piano mas parecido a un órgano de iglesia. Así termina uno de los álbumes mas distintivos de todos los tiempos.

La ilustración de la portada fue creada por el bajista y artista alemán Klaus Voormann, que era uno de los más viejos amigos de los Beatles desde los días de Hamburgo. La ilustración de Voormann incluía imágenes recortadas de fotografías de los miembros del grupo hechas entre 1964 y 1966, mezcladas en collage en un dibujo grande de los cuatro Beatles mientras que la foto de la contraportada era obra del fotógrafo Robert Whitaker, responsable también de la “portada del carnicero” del álbum Yesterday and Today. En una época donde todo era colorido para expreasr psicodelia, llegan los Beatles con la mejor portada psicodélica ¡en blanco y negro!

Para conmemorar el 50 aniversario, se spera en estos días un libro de Klaus Voormann describiendo el proceso de la realización de la portada de REVOLVER

Rev-GL-Mo-B

El título del disco es mas alusivo a su significado en español –mezcla- que a una pistola. Y es tal cual… por la fusión de géneros musicales, de instrumentos, por la creatividad de experimentos sonoros para grabar, mezclar, para descubrir nuevos sonidos, para ilsutrar una historia, para entrelazar todo para hacerlo un contexto. En fin, este álbum es una pieza completa sin llegar a ser conceptual, y sin embargo es un disco redondo. Muy preciso.

REVOLVER, lanzado a la venta el 5 de agosto de 1966, es el séptimo álbum de The Beatles. El álbum presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en discos posteriores. Logró llegar al número uno en la lista de éxitos del Reino Unido.

Freeman-revolver

REVOLVERr fue el disco que marcó la carrera del grupo como psicodélica. Con grandes contrastes como “Taxman” (hard rock), “Tomorrow Never Knows” (rock psicodélico) y “Eleanor Rigby” (pop barroco). Revolver es citado frecuentemente como uno de los mejores álbumes de la historia de la música pop. En 1997 fue seleccionado en el tercer puesto de los mejores álbumes de todos los tiempos en una votación de Music of the Millennium dirigida en el Reino Unido por prestigiosos medios, como son HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. En febrero de 1998 los lectores de la Q magazine colocaron al álbum en el segundo lugar,1 mientras que en el año 2001, la cadena de televisión VH1 lo situó en el primer puesto de entre los mejores 100 álbumes de todos los tiempos.2 Revolver fue también votado como mejor álbum en el Virgin All Time Top 1,000 Albums.3 Una crítica de PopMatters describió el álbum como “[la obra] de la banda más grande de la historia de la música popular, cuyos miembros alcanzaron su punto más alto a nivel musical en el tiempo exacto”,4 mientras que la revista Ink Blot afirmaba que el álbum “se mantiene en la cumbre de la música popular occidental”.5

En 2003, Rolling Stone lo colocó en el puesto 3 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

A 50 años de su concepción, es otro de esos discos que cada hogar decente debe tener en su colección. Si puedes escucharlo tanto en mezcla estéreo como en mono, ¡que mejor!

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@omarioamartint