Horror

Por Leonardo Moreno.

El Horror es un género siempre presente en la historia de la humanidad. Desde el amanecer del tiempo cuando los hombres buscaban refugio al caer la noche, temerosos de la oscuridad y de aquellas cosas desconocidas capaces de dañarlos. Al descubrir el fuego, los hombres se reunían en torno a las fogatas protectoras para hablar de escalofriantes relatos sobre eventos inexplicables; que en aquel entonces era casi todo con lo que se topaban en una núbil tierra, con una civilización inexistente. Desde la antigüedad los griegos, los celtas, los egipcios, los aztecas y hasta los judíos por mencionar algunas culturas, nos legaron relatos sobre hombres lobo, vampiros, banshees, golems, nahuales, alebrijes, brujas, demonios, dioses y toda clase de vida sobrenatural.

A pesar de que el impulso primario nos lleva a alejarnos y a repudiar todo aquello que nos da horror. También nos genera una atracción oscura y mórbida, más allá de la necesidad de saber que origina ese miedo. Queremos atestiguar lo que provoca, queremos sentir esa angustia acelerando nuestros corazones, nuestra piel crepitando por la ansiedad del terror, queremos entrar en la oscuridad para que lo que sea que ahí se oculte nos toque y nos haga saltar y salir huyendo llenos de pánico. El ser humano gusta de asustar, gusta dejar salir sus temores más profundos para compartirlos con sus congéneres y gusta de saber que ese miedo profundo puede clavarse en el corazón de alguien más. A algunos nos encanta inspirar miedo.

La primera novela del género como tal aparece hasta 1764 de la no tan hábil mano de Horace Walpole, quien incluso la publicó en principio con el seudónimo de Onuphrio Muralto. Dicha novela es “El Castillo de Otranto”, un relato algo lento con situaciones medio absurdas y un final feliz digno de telenovela. Es un inicio escabroso para el género, de parte de un noble snob. Sin embargo, elementos como los macabros rincones oscuros, las ruinas olvidadas, las húmedas catacumbas, los castillos tenebrosos con gárgolas y fantasmas, inspirarían a escritores de verdad que a la postre nos brindaran obras trascendentales no solo del género, sino de la literatura universal.

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HORACE WALPOLE AUTOR DE LA PRIMERA NOVELA DE HORROR DE LA HISTORIA; “EL CASTILLO DE OTRANTO”.

A más de un siglo de distancia; los hermanos Lumiere con su novedoso invento el cinematógrafo, nos brindarían la primer película de horror de la historia con “L’arrivée d’un train à La Ciotat” o “La llegada del tren”. La proyección mostraba un tren llegando a la estación y a los obreros descendiendo del mismo para acudir a sus trabajos. Siendo el cine algo desconocido, los espectadores reaccionaban con terror al ver al tren llegando, pues pensaban que de alguna mágica forma los arrollaría, los asistentes a las primeras funciones salían huyendo gritando despavoridos, ya quisiera yo ver una cinta de horror actual causar tal efecto. Tan solo unos años mas tarde en 1910 llegó la primer película de horror con producción y trama como tal, sería “Frankenstein” de John Searle Dawley, la cual parece más un episodio en blanco y negro del Chapulín colorado, sin embargo el efecto de la creación del monstruo es novedoso, para la época obviamente.

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“LA LLEGADA DE UN TREN A LA CIUDAD” DE LOS HERMANOS LUMIERE, PODRÍA CONSIDERARSE LA PRIMERA PELÍCULA DE HORROR DE LA HISTORIA.

El género del horror en la pantalla grande nace a la par del cine mismo y han evolucionado juntos con sus respectivos altibajos, actualmente más bajos, por lo mismo el género llega a ser muy subestimado y es que en su momento todavía hace unos 30 años, se creía que mientras más avanzaran los efectos especiales las producciones de horror serían mejores, tristemente no es así. Hoy día existen diversas formas de abordar el horror y no todas son buenas, aun así es difícil desacreditar algo dentro del género pues casi todo vale, desde el sexo en formas muy variadas, pasando por el humor negro, hasta el planteamiento de las ideas políticas por mencionar algo y aun así encontramos conceptos deleznables. A continuación daré una lista de las películas de horror que me parecen las mejores de todos los tiempos. Debo explicar que las películas incluidas son aquellas que de algún modo me parecen más trascendentales y algunos casos son muy personales. Obviamente faltan películas, directores y escritores e incluir a todos los que son haría la lista enorme, por lo que me remito a las mejores 15. Pero los conmino a enviar sus sugerencias o reclamos, si creen que falta alguna. Voy en orden descendente de acuerdo con la trascendencia.

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15.- “Lifeforce”, 1985; Dirigida por Tobe Hooper.

“Fuerza siniestra” como se le conoció en español. Con esta de plano me mal viaje, la vi muy chavito y Mathilda May se convirtió en mi primera fantasía sexual como tal, después de verla en cueros por más de media película. Trata sobre unos vampiros espaciales que se alimentan de nosotros, absorbiendo energía vital en lugar de sangre, las victimas se convierten en muertos vivientes que también necesitan esa energía vital constantemente, provocando una plaga zombie. Esta basada en la novela “Vampiros espaciales” de Colin Wilson y la adaptación fue realizada nada menos que por Dan O’Bannon y es dirigida por Tobe Hooper, uno de los grandes maestros del horror. Incluso aparece en una escena medio gay Patrick Stewart; “Jean Luc Piccard” para unos, “Charles Xavier” para otros. A mí me encantó y aunque en la actualidad ni la pelan, me parece única y muy original, para mi es una de las mejores cintas del cine de horror.

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14.- “The Blair Witch project”, 1999; Dirigida por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez.

“El Proyecto de la Bruja de Blair” en español. Es probablemente una de las últimas explosiones de creatividad e ingenio de la historia del cine, desde la forma en que se filmó, hasta el marketing en el Internet, en el cual fue promovida como una historia real. Los actores hicieron una especie de ejercicio actoral y de filmación, en el que fueron dejados a su suerte en un bosque por 8 días, durante este tiempo se les contactaba a través de notas. Otros actores se cruzaban en su camino haciendo de lugareños. Se les dejaban provisiones con banderines luminiscentes y ocasionalmente los directores se les aparecían dándoles un buen susto. Todo el desarrollo de la trama y los diálogos fueron improvisados, para darle una carga real de tensión, aderezados por lo que los actores y directores iban viviendo en su experiencia, rematado por una encomiable labor de edición. Está catalogada como la mejor película de cine independiente de todos los tiempos. Recibió premios por todo el mundo excepto en los Oscares y en cambio si le dieron 2 nominaciones al Razzie o frambuesas doradas; los premios a lo peor del cine, incluyendo una a la peor película del año. Cosa que va en contra de los cánones hollywoodenses, ya que “The Blair Witch Project” recaudó: $248,639,099 dólares aproximadamente, contra una inversión de no más de $300 mil dólares y es que el éxito económico es algo que Hollywood usualmente premia, pero les cala en mal plan cuando no se trata de sus cuates o agremiados, sino pregúntenle a Tarantino y su colección de oscares a mejor director y mejor película. Aunque se supone que los Razzie son cosa aparte, tengo mis dudas. Pero más allá de estos datos, a mí me tocó verla en el cine y en verdad era macabra, la trama te envolvía y sentías la angustia de esos cabrones perdidos en el bosque y sufriendo el acoso de la Bruja. Para el final del filme, el silencio en la sala era sobrecogedor y el ambiente denso, las personas salían asustadas de verla. Recuerdo a unos tipejos gritando y echando desmadre antes de que empezara la proyección y aun cuando comenzó. Se fueron callando conforme transcurría la película y para cuando terminó, sus expresiones de miedo me hicieron reír. Cumplió su cometido con creces. Fue la precursora de este subgénero de cine en 16mm en estilo documental, tan de moda.

cronos13.- “Cronos”, 1993; Dirigida por Guillermo Del Toro:

La opera prima de Guillermo Del Toro, uno de los mejores directores de cine de nuestro país y del mundo. A pesar de los peliculones que Guillermo nos ha entregado, considero que “Cronos” sigue siendo su mejor filme de horror. Con un planteamiento genial sobre los vampiros originados a partir de la alquimia. La actuación de Federico Luppi como el bonachón Señor Gris es memorable. Ron Perlman hace mancuerna con Del Toro por primera vez interpretando a Angel de la Guardia, vaya nombre. Era la época en la que Perlman hacía cine por todo el mundo. Un dato curioso, es que en el presupuesto final su salario fue recortado drásticamente y Ron no solo continuó en el proyecto, sino que se volvió un gran amigo del director. También aparece Claudio Brook en la que sería su última aparición en una buena producción, hizo otras 3 después pero ni vale la pena mencionarlas. “Cronos” no es una historia sangrienta, aunque corre sangre, pero posee esa dosis de suspenso que Guillermo sabe darle a sus filmes; con un horror poco angustiante y más emotivo, nacido de la necesidad de vivir, de la necedad de no ceder al paso del tiempo y evitar a como dé lugar el abrazo de la muerte. Más allá de la ficción, “Cronos” tiene ese toque de crudeza que la vuelve demasiado intima. Los efectos característicos de las películas de Guillermo, aparecen por primera vez, los insectos raros y los impresionantes mecanismos de reloj. Todo fue diseñado por su compañía de efectos Necropia, la cual ya no existe. Es una de las imprescindibles del género.

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12.- “Halloween”, 1978; Dirigida por John Carpenter.

John Carpenter dio a Hollywood una lección sobre cómo hacer una buena película con 3 pesos y buenos cuates. “Halloween” nos narra la historia del psicópata Michael Myers; quien siendo un niño asesinara de 17 puñaladas a su hermana por cachonda, eso es un hermano celoso. Años más tarde, cuando Michael padece sus propios cambios hormonales, se fuga del psiquiátrico y regresa a matar a Laurie, su hermana menor, antes de que también se ponga de sucia. Laurie después de ser adoptada por otra familia, posterior al suicidio de su madre; substituyó o le substituyeron el apellido por el de Strode. Michael Myers resulta un asesino moralino y castroso. La forma de dirigir de Carpenter saca adelante al filme con esos primeros planos de sobresaltos al estilo Hitchcock y en vez de mostrarnos masacres, solo vemos un poco de sangre derramada muy a lo “Psycho” y hablando de… “Halloween” fue estelarizada por Jamie Lee Curtis, hija de Tony Curtis y de Janet Leigh,  quien interpretó a Marion Crane, la acuchillada en la clásica escena del baño de la célebre y ya mencionada “Psycho” de Hitchcock. Volviendo a nuestro filme; Donald Pleasence hace del atormentado Doctor Loomis quien piensa que Michael Myers es el Diablo. Pleasence era la tercera opción para el papel, la primera fue Peter Cushing y la segunda Christopher Lee, ambos declinaron por la baja paga. Pleasence terminó cobrando la mugre de $25,000 dólares y accedió convencido por su hija, a quien le encanto “Masacre en el precinto 13” de John Carpenter. Michael Myers fue caracterizado por Nick Castle, actor y director no muy brillante, quien ya hubiera querido los $25,000 dólares de Pleascence, pues en aquel entonces cobró 25 dolares diarios. Entre los muchos detalles llama la atención que la máscara utilizada por el asesino, es una de William Shatner arreglada. La emblemática música de la serie fue compuesta por el mismo Carpenter. La inversión total de la producción fue de 325,000 dólares y se embolsó una ganancia de 47 millones de dólares, un negociazo. Es un filme brillante y realizado con maestría, Carpenter se vacía en cuanto a sus conocimientos cinematográficos y hace buen uso de cada una de las influencias fílmicas asimiladas durante su vida hasta el momento, aun hoy supera por mucho a varias películas con exageradas dosis de sangre, pero con escasa imaginación. “Halloween” es un clásico que si bien no cambió el género, si modificó la forma en que se veía al horror desde su misma concepción.

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11.- “The Howling”, 1981; Dirigida por Joe Dante.

“El Aullido”; como se le conoció en nuestro país. Un asesino serial se reúne con una periodista para revelarle un secreto en una tienda erótica, pero antes de que el tipo termine su demostración es asesinado por la policía. De aquí se desenmaraña una trama que nos lleva a conocer a toda una manada de hombres lobo, tratando de infiltrarse en nuestra sociedad. La película es sórdida desde su inicio; situándonos en una cabina para adultos, alternando la aparición mórbida de Eddie Quist; el asesino en cuestión, con escenas porno. Los lobos en su forma humana encarnan nuestras emociones más primarias, por lo que se adivinan como un grupo de personas muy silvestres, rayando en lo campiranos. Esto mezclado con las mediocres actuaciones de la protagónica Dee Williams, interpretando a la reportera Karen White, quien luce francamente sobreactuada y su esposo Bill interpretado por el soso Christopher Stone; quien ligó varias chambas en aquella época, suertudo porque era un terrible actor. Pero lejos de arruinar la película, es de esas situaciones en las que nutren de una forma interesante a la producción y ayudan a que la trama se torne realmente macabra. Es dirigida magistralmente por Joe Dante, un director legendario de películas de fantasía más que de horror,  de hecho además del “Aullido” su segunda mejor cinta de horror es “The Screwfly solution”, un episodio que hace las delicias de los misóginos, perteneciente al mítico serial “Masters of Horror”. Dante aprovecha maravillosamente las virtudes de sus personajes secundarios, entre los cuales contamos a John Carradine y las deficiencias de sus protagónicos. Todo esto aunado a unos efectos grandiosos, ya que la transformación de Eddie Quist en lobo es una de las 2 mejores jamás vistas en el cine a la fecha. Es una pena que todas las secuelas fueran una mugre, se hizo un remake recientemente llamado “The Howling reborn”; pero solo alcanzó el estatus de video.

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10.- “Lost Highway”, 1997; Dirigida por David Lynch.

“Por el lado oscuro del camino” en español. David Lynch, pintor antes que director; un artista que deja salir sus concepciones crudas tal cual, sin suavizar nada. Lleva sus obras desde su misma introspección exhibiéndolas como van en una pantalla cinematográfica, permitiéndole al espectador desentrañar la trama a través de sus propios miedos e inseguridades, resolviéndolos a la par de Lynch. “Lost Highway” es una película que genera una tensión impresionante, contiene un par de escenas con unos silencios largos que catalizan la densidad onírica de la producción a niveles aterradores. La historia nos habla de Fred Madison, un saxofonista interpretado por el monotónico Bill Pulman, cuyo personaje empieza a padecer los estragos de la disfunción eréctil y no puede hacerlo con su preciosa esposa Renee, interpretada por Patricia Arquette. La situación empeora cuando conocen en una fiesta a un misterioso sujeto, aparentemente el Diablo divirtiéndose con el conflicto de Fred. Este Diablo es interpretado por Robert Blake en su último filme a la fecha, mucho después de Baretta y antes de ser acusado del asesinato de su esposa. Este sujeto, nombrado en los créditos Mistery Man, les ha enviado videos a su casa, donde los ha grabado dormidos en el interior de la misma y es por medio de tales videos que un confundido Fred se entera de que asesinó horriblemente a su esposa. En el punto álgido donde Madison espera sentencia en su celda por el homicidio de Renee, en medio de una extraña tormenta sufre una metamorfosis, surgiendo de la misma Pete Dayton, interpretado por Balthazar Getty. Pete es un chico que trabaja como mecánico y que se verá inducido en un oscuro mundo de pornografía y drogas por Alice Wakefield, interpretada por Patricia Arquette. Lo que nos lleva al punto focal en la trama, en la cual esta encarnación, quien al parecer comparte un lazo fraterno con Renee, termina volviéndose un sueño húmedo, costoso e inalcanzable. Aparentemente encarnado por un demonio enviado por el Hombre misterioso a Frank/Pete, cuyas vidas se ven destruidas por los alter egos de esta femme fatale, de indefinida identidad en ultima instancia. “Lost Highway” tiene una música genial, el score de la película es obra de Angelo Badalamenti, el músico de cabecera de Lynch y en el soundtrack encontramos rolas geniales de David Bowie, Nine inch nails, Marilyn Manson, The Smashing pumpkins y Rammstein; estos últimos confesaron llevar varios años enviándole su música a Lynch, para ser considerada en uno de sus filmes. Esta producción viene a ser también la última aparición en la pantalla grande del comediante Richard Pryor, afectado por esclerosis múltiple e interpretando a Arnie, el dueño lisiado del taller donde trabaja Pete Dayton. En efecto me confieso adepto a los filmes de David Lynch, tuve la fortuna de ver “Lost Highway” en el cine y salí de la sala apesadumbrado y aturdido por lo que había visto. Imagínense que para despejarme la cabeza, me metí a otro cine a ver el “Doberman”, cinta de acción francesa plagada de balazos e híper-violenta, con Vincent Cassel y Monica “mamacita” Bellucci y me relajó. Lynch no es un cineasta que cualquiera pueda entender, esta cinta de hecho a muchos los confundió y los más no la entendieron, e incluso hay un debate sobre si es horror o un thriller psicológico; pero el sentimiento de miedo prevalece, lo cual convierte a “Lost highway” en una de las mejores cintas de horror de todos los tiempos.
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9.- “Nosferatu”, 1922; Dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau.

Me es difícil nombrar esta película sin sentir cariño. Hace años cuando tuve la oportunidad de hacer mi programa de televisión, el nombre llegó de rebote, pero encajaba muy bien con el concepto, desde entonces he desarrollado una simbiosis interesante con este filme y aclaro que no soy un friki que se viste de vampiro, ni emo, esa afinidad viene por otros motivos. “Nosferatu; una sinfonia de horror”, fue el título original de la cinta, la cual a pesar de no ser la primera de vampiros, si es la primera que plantea el aspecto sobrenatural de dichas criaturas. El director alemán Friedrich Wilhelm Murnau, no consiguió de la viuda de Bram Stoker la cesión de derechos de “Drácula” para realizarla, sin embargo ya tenía todo listo para empezar a filmar, por lo que simplemente cambió los nombres de los personajes y los lugares en donde se desarrollaba la historia, en vez del Conde Drácula tenemos al Conde Orlock por ejemplo. El titulo fue tomado de una palabra del libro de Stoker, utilizada para referirse a Drácula como el no muerto. Stoker  a su vez la tomó de un libro llamado, “Supersticiones de Transilvania” de Emily Gerard, pero resulta que esta palabra no existe en el vocablo rumano, por lo que se cree que Gerard confundió los términos con Necurat (Sucio u oculto) o Nesuferit (El que no sufre) La forma de referirse a esto en términos masculinos es con la terminación UL, por lo que tendríamos Necuratul o Nesuferitul, que serian el Diablo y el que no sufre. Por lo tanto la palabra Nosferatu como tal, no existe. Después de que la viuda de Stoker viera la cinta, se indigno tanto que demandó a los productores y ganó, por lo que las copias del filme fueron destruidas. A pesar de todo ya se habían distribuido algunas en diversos países europeos, dichas copias permanecieron ocultas hasta la muerte de la Sra. Stoker. Es debido a esas copias que al día de hoy tenemos físicamente dicha producción, aunque cada copia era diferente dependiendo del país. En 1984 se logró una edición definitiva, exhibida en el festival de Berlin de aquel año. Curiosamente “Nosferatu” viene a ser también, debido a las cuestiones legales implícitas, la primera película pirata de la historia del cine. La tesón de Murnau por seguir adelante con su proyecto a pesar de los problemas, las ganas de concretar su visión hasta el fin, eso fue algo con lo que me identifiqué desde que conocí la historia de esta producción. Siempre debes terminar lo que empieces, aunque la viuda de Stoker no quiera.
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8.- “The Night of the living dead”, 1968; Dirigida por George A. Romero.

“La noche de los Muertos vivientes” en español. “La noche de los devoradores de carne” iba a ser el título original de este filme, pero cometieron la barrabasada de cambiar el nombre de último momento a “La Noche de los muertos vivientes”, cuando la producción ya había registrado el primer nombre y no se dieron cuenta de este error, hasta que la película ya estaba en exhibición y es por ello que esta obra al día de hoy es del dominio público. La cinta marca una pauta en el género, es la precursora de todo lo que puedes ver hoy día sobre zombies, fue realizada con un presupuesto nulo y estuvo plagada de colaboraciones de amigos y parientes de Romero, de hecho todos los que interpretaron a los zombies recibieron por paga una playera que decía; “Yo fui un zombie en, La Noche de los muertos vivientes”. En la trama un grupo de personas provenientes de diversas partes se atrincheran en una casa, para huir de las criaturas que de repente han empezado a salir de sus tumbas y están devorando personas. Duane Jones interpreta a Ben, un hombre de color que en cierto modo encabeza a un grupo particularmente neurótico, que al final sucumbirá ante la embestida zombie. La cinta fue impactante e incluso se dijo que Romero hacía una crítica contra el racismo en Norteamérica, por la inclusión de un protagónico de color, lo cual no estaba muy en boga en aquellos años, Romero desmintió tal versión alegando que le dio el papel a quien realizo el mejor casting. “Night of the Living dead” es una imprescindible del genero, ha tenido varias secuelas y un remake muy famoso realizado por Tom Savini en los 90’s. Irónicamente a la fecha, el subgénero de los zombies sigue produciendo en distintos medios negándose a morir, a pesar de que muchos lo daban por terminado desde hace años.
wolf7.- “An American Werewolf in London”, 1981; Dirigida por John Landis.

“Un Hombre lobo americano en Londres” en español. Y es en esta producción, en donde nos encontramos con la segunda mejor transformación de un hombre lobo de todos los tiempos. Es increíble con lo revolucionados y espectaculares que son los efectos especiales de la actualidad, que los realizadores modernos no puedan ofrecernos una transformación de hombre lobo decente. Es por ello que los efectos especiales son un complemento y no te hacen toda la chamba a pesar de lo que crean Michael Bay y Roland Emmerich. “Un hombre lobo americano en Londres”, es una película cuya trama nos lleva del horror sobrenatural al humor negro, con su buena cuota de sangre y zombies. Y de entrada podría sonar sencillo, pero si vemos la última versión de este filme; “An American werewolf in Paris” de 1997, en la cual a pesar de no ser mala, termina prevaleciendo el humor negro y la acción por encima del horror, además los efectos no se le acercan a la original ni tantito. “An american werewolf in London” nos narra la aventura o desventura de un par de amigos mochileros, David Kessler interpretado por David Naughton y Jack Goodman interpretado por Griffin Dunne. Ambos llegan en su viaje a pie a través de Inglaterra hasta un lugar llamado “La Oveja masacrada”, en donde los lugareños son hoscos y asustan a los chicos por una cuestión extraña que tiene a todos tensos. David y Jack regresan al camino en medio de la noche, donde son atacados por una bestia que masacra a Jack y convierte a David en un hombre lobo. Mientras la maldición se desarrolla, el zombie de Jack y los de sus víctimas atormentan a David exigiéndole su muerte, para que ellos puedan descansar en paz. Una gran película de John Landis, quien a la postre realizaría en esta misma tónica el video de “Thriller” de Michael Jackson. Landis es sin duda uno de los grandes realizadores del género.
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6.- “Friday the 13th”, 1980; Dirigida por Sean S. Cunningham y “Friday the 13th part 2”, 1981; Dirigida por Steve Miner.

“Viernes 13” es un caso curioso de confusión de identidad, muchos creen que el asesino original de este filme es Jason Voorhees pero no es así, el asesino original es Pamela Voorhees su madre, interpretada por Betsy Palmer. En esta primera entrega, Jason es la víctima y su mamá busca simple y llana venganza contra los estúpidos chicos calenturientos que prefieren ir a recrear la hormona a cuidar al tarolas de Jason siendo niño; a quien dejaron morir ahogado en el campamento de Crystal lake. La perturbada Señora Voorhees va asesinando uno a uno a los asistentes al campamento, entre los cuales contamos a un joven Kevin Bacon. Sean Cunningham es un director mediocre, cuyo trabajo más destacado y reconocido viene a ser esta cinta, por lo que con el paso de los años se clavó más produciendo y de esta forma intervino en “Jasón X”, “Freddy vs Jasón”, el documental que festeja los 30 años del filme y el remake homónimo del 2009. A quien podríamos considerar el verdadero padre de Jason, como la amenaza psicópata y sobrenatural que es al día de hoy es a Steve Miner, quien a pesar de haber fungido como productor en las 2 primeras entregas y de haber dirigido “Friday the 13th 2 y 3 en 3D”, posteriormente diversificó su carrera y siguió adelante, alejándose de la sombra de Jason, aunque sin mucho éxito. Hablamos de que lo mas destacado de Miner después de “Friday the 13” fue “Forever young” con Mel Gibsón en su mejor momento, no en su mejor filme aclaro y “H20” o “Halloween 20 years later” con Jamie Lee Curtis retomando el rol de Laurie Strode o Keri Tate, porque se cambia el nombre. Al mencionado director le fue mejor en televisión donde son o solían ser mucho menos exigentes. “Friday the 13th 1 y 2” son fundamentales en el género de los asesinos dementes, mejor conocido como slasher. Ambas películas han sido mencionadas a la vez, ya que si bien la primera es un clásico del cine de horror, la segunda es la que nos presenta al brutal personaje representativo de esta franquicia.
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5.-“A Nightmare on Elm street”, 1984; Dirigida por Wes Craven.

“Pesadilla en la calle del infierno” como se conoció en nuestro país. A muchos les parecerá una aberración, principalmente si han enfocado su atención en las secuelas, sin embargo la primera cinta sobre el asesino sobrenatural Freddy Krueger es realmente aterradora y el concepto es genial. Una criatura demoniaca con la capacidad de asesinarte con toda saña dentro de tus sueños. Fue tan efectivo que aun en la actualidad, conozco a muchas personas incapaces de mirar siquiera al personaje, por el horror que les provoca. Robert Englund quien interpreta a Freddy Krueger, ancló su carrera a este ícono del horror, haciendo todas las versiones del mismo hasta “Freddy vs Jason”. En la actualidad Englund mismo es una figura icónica dentro del mundo del horror cinematográfico, apareciendo en diversos filmes y series de televisión concernientes al género y ha gozado de una carrera prolífica a pesar de Freddy Krueger, aunque este sigue siendo su carta de presentación. En el remake pasó la antorcha a Jackie Earle Haley, quien interpretara a Rorschach en “Watchmen”. “A Nightmare on elm street” narra la historia de unos adolescentes atacados por el espíritu de Freddy Krueger, quien en vida fuera un asesino y violador de niños ejecutado por los padres indignados de Springwood, lugar donde se desarrolla la trama. Este filme se caracteriza por decesos exagerados y litros y litros de sangre derramada, de hecho una de las secuencias memorables de la saga es la muerte de Glen, interpretado por Johnny Depp en su debut en el celuloide; donde Krueger lo jala hacia el interior de su cama y lo licua, aventando sus restos al techo en medio de un geiser de sangre que emerge desde su aposento.  Curiosamente, Wes Craven solo dirigió “A Nightmare on Elm Street” y “Wes Craven´s New Nightmare”, que cerró la saga original en 1994. Por lo que las secuelas en donde en ocasiones la película se vuelve absurda, quedan fuera de su responsabilidad pues ni siquiera fungió como productor en ellas, salvo la tercera parte donde fue productor ejecutivo. Wes Craven fue un director igualmente prolífico en el mundo hollywoodense, aunque se movía mucho en altibajos. Fue responsable de clásicos como “The last house to the left”, “The hills have eyes”; “The Serpent and the rainbow” y también de la saga de “Scream”; no sé si le deba algún reconocimiento por esto, pero de alguien debe ser la culpa y como “Scream” 2, 3 y 4 hay otro singular numero de bodrios circulando por ahí con su autoría.

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4.- “The Texas Chainsaw massacre”, 1974; Dirigida por Tobe Hooper.

“La masacre de Texas” en español. De forzosa referencia. Un grupo de chicos se dirige a un lugar alejado en medio de Texas, para verificar la noticia sobre la tumba profanada de su abuelo y en este track llegaran hasta la granja de los Hardesty, donde se toparan con una familia de pesadillescos caníbales. La joya de la familia es un joven con problemas mentales conocido simplemente como Leatherface, quien gusta de ocultar su cara deforme con los rostros arrancados a otros chicos. Este personaje puede considerarse como el padre de los asesinos modernos del cine, como los ya citados Freddy Krueger, Michael meyers, Jason Voorhees y cualquier otro. “The Texas Chainsaw Massacre” es dirigida por Tobe Hooper quien es un verdadero Master of horror, un ente hecho para el género. Responsable de la ya mencionada “Lifeforce”, además de clásicas como “Salem’s lot”, “Poltergeist” y de episodios muy chingones de “Tales from the crypt” y “Masters of horror” y algunos otros seriales del género, siendo de hecho el único director que repite en esta lista. La cinta en cuestión está basada en parte en los crímenes demenciales del psicópata Ed Gein, quien fabricaba muebles y adornos personales con partes humanas e incluso se fabricó ropa con piel humana. Aun cuando no se le pudieron comprobar más que 2 asesinatos el caso fue alarmante, incluso se sabe de alguien que compró su furgoneta y la llevo de gira por Estados Unidos exhibiéndola llena de sangre y supuestos restos humanos. Otra parte del filme está basada en la leyenda del asesino en serie escocés, Alexander “Sawney” Bean, quien vivió en el siglo 16 y cuya numerosa familia se dice asesinó y se comió a más de mil personas. Y en cuanto a la “chainsaw” o motosierra en español, esa idea le vino a Hooper un día en la enorme fila del supermercado, pensando en lo fácil que sería abrirse paso entre las personas cortándolas con una.  El enorme Gunnar Hansen hace de Leatherface y en un par de ocasiones estuvo a punto de lastimar a sus coprotagonistas al tener dificultades manejando la sierra y es que siendo una película de bajo presupuesto, no hubo quien entrenara a Gunner en el uso de la herramienta. El filme nos saca del contexto de la tenebrosa oscuridad, pues es aun más horrible a la luz del día. De hecho varias secuencias se filmaron de un solo tiro pues el presupuesto era tan apretado que no podían darse el lujo de retrasar la filmación, por lo que los sudores, incomodidades, ataques de histeria y nerviosismo de los personajes tan resaltados en el filme son reales, añadiéndole un toque de brutal crudeza. La escena de la cena es el reflejo más fiel de esa histeria y desesperación padecida por los actores en la realización. Siendo un clásico del cine gore, es curiosa la escasa sangre derramada a lo largo del filme. Entre otros datos curiosos que se barajean respecto a la producción, es que la productora del filme, Vortex; es la misma que produjo la legendaria película porno “Deep Throat”. También se dice que los esqueletos utilizados en el filme son reales, pues era más barato conseguir esqueletos humanos hindúes, que esqueletos falsos. Una joyita que tuvo sus secuelas y un par de remakes, todos inferiores y que ha inspirado a otros realizadores como Rob zombie, cuya opera prima “The House of the 1000 corpses” está basada en este clásico.
dracula3.- “Bram Stoker’s Drácula”, 1992; Dirigida por Francis Ford Coppola.

Es la mejor versión de Drácula jamás filmada y tal vez la cinta de horror más bella realizada hasta la fecha. Drácula fue mi primer libro a los 6 años y la historia me resultó fascinante, si bien el final no tanto. Crecí viendo las versiones fílmicas clásicas con Bela Lugosi, Christopher Lee, Frank Langela y hasta la de Zandor Vorkov “Drácula vs Frankenstein” e incluso “Drácula prisoner of Frankenstein” y “Count Drácula”; las 2 últimas del realizador español Jesús Franco. Ya habrá tiempo para hablar de la obra de este cachondo Friki español. Okey, siguiendo con “Drácula de Bram Stoker”, una de las características de la versión de Coppola fue la inclusión de grandes estrellas del celuloide. Hasta antes de esta versión, los únicos actores de renombre en cualquier versión de Drácula fueron aquellos que se hicieron famosos interpretando al conde transilvano, el caso de Lugosi y Lee específicamente. En “Drácula de Bram Stoker”, tenemos a Sir Anthony Hopkins en el papel de Abraham Van Helsing a un ascendente Keanu Reeves interpretando a Jonathan Harker y a Winona Ryder en su mejor momento como Mina Harker, por si fuera poco Gary Oldman hace del Conde Drácula en una caracterización legendaria, que dejó muy claro el enorme nivel que tiene como histrión. Rematando el roster tenemos a Monica “mamacita” Bellucci, como una de las cachondisimas novias del conde. En el filme vemos una fusión del mito de Drácula con la historia del verdadero príncipe de Valaquia, el sanguinario Vlad Dracul, quien furioso por la condenación al suicidio de su novia, maldice a Dios y se proclama su enemigo. La película humaniza un poco al personaje de Drácula, no por ello suavizándolo y nos muestra un lazo temporal del Conde con Mina Harker, quien en una encarnación previa fuera la novia de Vlad, Elisabetta. Curiosamente cuando este proyecto cae en manos de Coppola, este se encontraba de capa caída debido a duros fracasos cinematográficos, que lo metieron en fuertes aprietos financieros, de hecho los productores consideraron darle la cinta a William Friedkin y a John Carpenter antes de Coppola, no creían que tuviera la capacidad de sacar adelante a la producción, sentían que había perdido el toque. Por ello esta versión de Drácula fue objeto de gran dedicación y creatividad por parte del realizador, utilizando juegos de sombras, secuencias con marionetas y filmaciones al estilo del cine mudo, usando una antigua cámara pathe de manivela para tales escenas, todo esto en conjunto le brindó al filme una estética muy onírica. Las actuaciones y los efectos son de primera, excepto quizás por Keanu Reeves, cuya actuación fue muy criticada y seamos honestos, Reeves nunca se ha caracterizado por su versatilidad, es de esos actores de una sola expresión con mucha suerte. “Drácula de Bram Stoker” es un peliculón que refrescó la imagen del personaje y salvó a Coppola de un colapso financiero y moral. Respetando a los clásicos, fue la película que siempre mereció el hijo del dragón.
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2.- “Evil dead”, 1981; Dirigida por Sam Raimi.

“El Despertar del diablo” como se le conoció en México. Esta es de las que aun me asustan cuando la veo y es que tiene una estética tan burda, malas actuaciones y es tan asquerosa, que resulta brutalmente aterradora. La trama es incluso simplona; unos chavos se van de fin de semana romántico a una cabaña en medio del bosque sin más y ahí se van a topar con el Necronomicón, el cual desencadenará a los demonios que los van a poseer, convirtiéndolos en dementes criaturas homicidas. Sam Raimi debuta en la pantalla grande con un filme de tan bajo presupuesto, que al único actor que pudo conservar para el rodaje completo fue al farol de Bruce Campbell y eso porque era su socio. A la fecha Campbell ha vivido de su fama como Ash, el protagónico del comentado filme; ha aparecido en videojuegos brindando su imagen y voz para el personaje. Esto sin embargo no le quita el sueño a Campbell, quien al parecer lo disfruta, incluso fue productor y director de una película llamada “My name is Bruce” en donde se interpreta a sí mismo y hace burla de su situación. Recientemente terminó la primera temporada de la serie de “Evil dead”, la cual está genial y adivinen quien es el protagonista, sip; Bruce Campbell. Volviendo a la película, el logro más grande de Raimi es la atmósfera aterradora, conseguida en base a todas las fallas antes enumeradas y complementada genialmente con unos largos y veloces tiros de cámara que simulan ser los demonios kandarianos en primera persona. O los close ups angulados al rostro aterrado de los personajes, donde el movimiento se nota al fondo, brindando una sensación brutal de angustia, las cuales adoptó posteriormente Darren Aronofsky en sus primeros filmes. El maquillaje de los posesos es increíble, la imagen que ilustra esta sección del articulo es una de las mas aterradoras que puedo recordar en el póster de una película. Sam Raimi filmó “Evil dead” a la edad de 20 años, basado en una añeja obsesión sobre el Necronomicón de H.P. Lovecraft. Reunió el presupuesto para hacerla presentando un corto llamado “Within the woods”, dirigido por él obviamente y estelarizado por Bruce Campbell y Ellen Sandweiss, los mismos protagónicos de “Evil dead”; prácticamente lo mismo pero más barato. Un detalle curioso fue que los actores con excepción de Campbell, dejaron la producción antes de que se terminara, por lo que fueron la familia de Raimi y algunos cuates quienes le ayudaron a terminarla. Al parecer los actores no quisieron regresar a terminar el filme no porque se hubiera acabado el presupuesto, sino debido a la gandallez de Raimi en la filmación, cuyo lema en la misma era; “El sufrimiento convierte la desgracia en terror”. Supuestamente no toleraron las condiciones bajo las cuales tuvieron que filmar, las cuales implicaron poca higiene, una alimentación escueta, condiciones inseguras en la locación con respecto a los vecinos rednecks agresivos y varios accidentes de filmación. Pero aun esto no era el problema, sino la forma en que Raimi lidiaba con estas situaciones, como ejemplo; Bruce Campbell se lastimó la pierna y no solo tuvo que seguir actuando, sino que Raimi le picaba la herida con un palo mientras lo llamaba nenita llorona. En fin, a la acción de fingir que un actor sigue en el filme, aunque no sea así, en Hollywood se le conoce como “Fake Shemp” o “Shemp”, en alusión a Shemp Howard miembro de los 3 Chiflados quien murió repentinamente de un ataque cardiaco, cuando al grupo le quedaban 4 producciones por filmar. Para cumplir con su contrato con la Columbia y evitar ser demandados, los Chiflados utilizaron en sus filmes imágenes de archivo de Shemp y un doble que siempre salía de espaldas o con su rostro cubierto o entre sombras, un falso Shemp o “Fake Shemp”. El termino esta en desuso, pues hoy día un actor muerto a media filmación se resuelve con CGI. Fue por tal situación que las criaturas en cierta parte de la película lucen distintas, pues ya son otros actores, mas el tono frenético del filme y el hecho de que los poseídos son transformados horrendamente desde un principio por los demonioS, le da una justificación valida. Como dato curioso, uno de los hermanos Coen, Joel fue asistente de edición de esta producción. Y fue “Evil Dead” aquella primera película que aterró a Stephen King, de la cual dijo era una de las más originales que había visto. Incluso hubo quien dijo que durante la premier de la misma, se cubría el rostro aterrado en las escenas más mórbidas. En el 2013 se hizo un remake, el cual resultó bastante bueno y sangriento, fue producido por Sam Raimi, Robert Tapert y Bruce Campbell y dirigido por Fede Alvarez, con cameo incluido de Campbell. Se pretendía hacer una nueva saga, que se uniría a “Army of Darkness”, pero al parecer se optó por el camino de la televisión, donde a últimas fechas se encuentran mejores producciones de horror que en el cine, cuya perra necedad de hacer filmes de horror PG-13 está jodiendo al género.
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1.- “The Exorcist”, 1973; Dirigida por William Friedkin.

“El Exorcista” en español. Mi padre me llevó a ver “The Exorcist” siendo muy pequeño y el impacto que me causó perduró durante muchos años. Me aterraban las casas grandes y uno de mis principales temores infantiles fue el de ser un día poseído por el diablo, creo que cuando pasó ni cuenta me di. Aquí vi por primera vez a Max Von Sidow y pensé que era un viejito muy frágil que se moriría pronto y a la fecha aun hay Max Von Sidow para rato. Hace una excelente caracterización; interpretando al padre Lancaster Merrin, un sacerdote católico y arqueólogo que comparte un extraño vinculo con un demonio. Ellen Burstin, otra gran actriz, interpreta a Chris Macneil, actriz y madre de la atribulada Regan, una niña de 12 años poseída por un demonio sumerio llamado Pazuzu, quien tiene bronca con el padre Merrin. Linda Blair interpreta a Regan en un papel que si bien le dio el salto a la fama, también la encasilló de por vida. Otra cosa que caracterizó a la Blair, fue la saga de “Chris nacida inocente”, una película para televisión que desembocó en una serie de pinche mil libros, que hablaban de las tribulaciones de los adolescentes norteamericanos y de la cual era la imagen en todas las portadas, pero ni de chiste trascendió como su papel de Regan. En general la carrera de Blair jamás se despegó de “The Exorcist”, posteriormente apareció en parodias cinematográficas y televisivas sobre el personaje y hasta en una radionovela española. “The Exorcist” es una película impactante, donde vemos secuencias espeluznantes demasiado avanzadas para la época. Escenas donde Regan se viola a si misma con un crucifijo o aquella escalofriante donde gira la cabeza 180°, hablando con voz como de comerciante de Tepito. Incluso en el reestreno de la cinta, en el año 2000 se incluyó una escena cortada del filme original, a la que los medios llamaron el paso de la araña; donde Regan baja las escaleras caminando invertida sobre sus brazos y piernas, arrojando sangre por la boca. Lo interesante más allá de estas espeluznantes secuencias, fue que la trama nunca se descuidó, podemos seguir sintiendo la tensión y la angustia del padre Karras y la culpa por lo de su madre, sin dejar de lado el conflicto del Padre Merrin con la entidad diabólica y su desgastada salud. Fue tal la intención de asustar de William Friedkin, que el cuarto de Regan se encontraba dentro de un frigorífico industrial, para dar esa sensación de temblorina nerviosa natural, aunada a un terrible sentimiento de incomodidad y angustia. Ocasionalmente el director sacaba una pistola y disparaba al aire para asustar a todo el equipo.  William Friedkin se hizo popular por “The French Connection” cinta por la que ganó el Oscar a mejor director y mejor película, pero con “The Exorcist” tocó el punto álgido de su carrera. Posteriormente a esta producción su estrella se apagó y aunque a la fecha sigue activo, perdió dramáticamente los reflectores. Entre lo más destacado de Friedkin además de “The Exorcist”, estan episodios de la serie de “Alfred Hitchcock” previos a “The French connectión”, episodios de “The Twilight zone”, “Tales from the cript” y “CSI”, además de las cintas “Jade” y “Bug”. Creo que debió hacer al menos un episodio para el serial “Masters of horror”. “The Exorcist”, está basada en el libro homónimo de William Blatty, quien también escribió el guión del filme; según Blatty basó su historia en hechos verídicos acontecidos en un caso de exorcismo real años atrás. “The Exorcist” es al día de hoy el único filme de horror nominado al Oscar a mejor película y podríamos considerarla el punto de partida del horror moderno. Las leyendas en torno a tan macabra producción no se hicieron esperar, se sabe que hubo un par de incendios extraños en los estudios durante el rodaje, que varios rollos de filmación se velaron inexplicablemente y que personas allegadas a la producción murieron de forma escalofriante. El soundtrack cuenta con Tubular bells de Mike Oldfiel, quien nunca ha visto la película, alegando que no da miedo sino risa ¿Y cómo lo sabe si no la ha visto? Señor Oldfield está bien tener miedo. Un detalle acontecido en diversas partes del mundo, incluso aquí en México, fue que la gente salía huyendo de las salas de cine, víctimas de ataques de pánico y crisis nerviosas, incluso se sabe que provocó un aborto, aunque a la larga se supo que estas situaciones eran trucos publicitarios. Bueno, yo fui al reestreno en el 2000 y hubo gente que si bien no salía corriendo o histérica, si abandonaban la sala asustados en el clímax de la cinta. No sé si estén de acuerdo, pero creo que a la fecha “The Exorcist”, se sigue llevando las palmas como una de las producciones más aterradoras de la historia del cine.